Todos podem nomear um artista favorito ou um escritor que mudou sua vida, mas muitas pessoas lutam para nomear um único designer. E ainda de muitas maneiras, o design é uma parte muito mais importante de nossas vidas diárias. Você pode não ter a chance de ler uma história ou contemplar uma pintura hoje, mas vai se envolver com centenas – se não milhares – de obras criadas por designers.
Dos outdoors que você viaja no caminho para o trabalho, até o botão que você clica para verificar seu e-mail ou postar uma mensagem, para o logotipo em sua xícara de café, quase tudo foi moldado de uma maneira ou outra pelo design gráfico.
Esses elementos de design geralmente têm um propósito aparentemente trivial, como anunciar um produto ou inspirá-lo a clicar em um link, mas o efeito é muito mais profundo. O design pode transformar esteticamente (e, com sorte, melhorar) o mundo ao nosso redor e os pequenos rituais da vida cotidiana. O grande designer Massimo Vignelli transmitiu a importância dessa transformação:
“A vida de um designer é uma vida de luta. Lute contra a fealdade. Assim como um médico luta contra a doença. Para nós, a doença visual é o que temos por perto e o que tentamos fazer é curá-la de alguma forma com o design. ”
Em homenagem ao Dia Mundial do Design Gráfico em 27 de abril, gostaríamos de tirar essa briga da obscuridade e compartilhar uma breve história do design gráfico.
O primeiro designer gráfico?
Para uma profissão que reformulou a superfície do mundo muitas vezes, o design é muito jovem – menos de um século, na verdade. William Addison Dwiggins foi a primeira pessoa a se chamar um designer gráfico em 1922. Dwiggins tinha uma carreira variada e fascinante, fazendo de tudo, de publicidade a rotulação, design de livros e ilustração.
Ele também foi um autor, cuja escrita refletia sua ampla gama de interesses, abordando temas tão variados quanto o layout de publicidade e os fantoches, mas ele é mais conhecido por seu trabalho de tipografia. Muitas de suas fontes clássicas, como Electra, Eldorado, Caledonia e Metro, ainda são comuns hoje em dia.
Embora ele tenha contribuído para muitas artes de design, Dwiggins realmente não iniciou nenhum deles. As pessoas têm feito rotulação e layout desde que houve cartas, e as ilustrações remontam muito mais longe. Os antigos gregos tinham uma abordagem complexa e sistemática ao design, e os designers modernos ainda usam Aristóteles para entender melhor o processo de design 2300 anos depois . A verdadeira contribuição de Dwiggins foi levar as pessoas a começar a pensar no design como um conjunto de habilidades práticas, em vez de puramente artístico:
“Em matéria de layout, esqueça a arte e use o senso de cavalo. O dever do designer da impressora é fazer uma apresentação clara da mensagem…. Isso exige um exercício de senso comum e faculdade de análise, em vez de arte. ”
Isso pode parecer uma observação óbvia hoje, mas com o meticuloso trabalho prático que entrou no projeto no início do século 20, foi revolucionário. E preparou o palco para tudo o que veio depois.
História do Design e a Ascensão da Propaganda Visual
Anúncios antigos são como um pequeno ensaio, um livro de imagens e um tom todo em um só. De uma perspectiva de design moderno, há muita redundância. Por exemplo, olhe este anúncio para um Milburn Light Electric, um carro produzido de 1915 a 1923. O anúncio afirma que o Milburn “tem linhas longas e arrebatadoras e é incrivelmente bonito em comparação com qualquer outro carro do seu tipo” logo abaixo de uma ilustração. do Milburn! É quase como se o desenho estivesse lá apenas para atrair os olhos, para que a cópia pudesse conquistá-lo.
Um anúncio de propaganda icônico da Segunda Guerra Mundial, como Rosie, o Rebitador, é quase o exato oposto. Nada é desperdiçado. A imagem fala por si. O texto apenas complementa a imagem e adiciona um slogan. É fácil traçar uma linha diretamente de Rosie até o famoso cartaz de Shepard Fairey “Hope”, feito para a campanha de Obama em 2008.
De muitas maneiras, a década de 1940 é quando o design gráfico entrou em cena. As imagens tornaram-se ousadas, modernas e projetadas para o máximo impacto emocional. Em parte, isso foi impulsionado pela necessidade de propaganda eficaz e emocionalmente impactante. Conseguir um país inteiro para ir do negócio da vida cotidiana para a mobilização para derrotar um inimigo é uma tarefa assustadora, e uma ilustração atraente seguida por um monte de texto pequeno não iria fazê-lo. Artistas e designers gráficos foram além de “senso de cavalo” de Dwiggins e aprenderam a criar projetos que eram conflituosos, inspiradores e até mesmo chocantes.
Como o design do boom de publicidade mudou
Ame ou odeie, você não pode entender a história do design gráfico sem compreender as mudanças na cultura americana nos anos 50. Com grande parte do resto do mundo se reconstruindo a partir da segunda Guerra Mundial, os Estados Unidos estavam em uma posição de poder e prosperidade globais, e os negócios tomaram nota, dando origem ao boom da publicidade.
A maioria das pessoas associa o boom de anúncios à televisão, mas se estendeu muito além disso. O formato moderno de TV, estruturado em torno da publicidade, surgiu, levando a um modelo lucrativo baseado inteiramente na venda de anúncios. Era uma nova forma de contar histórias sobre a venda do desejo. Romance, sex appeal e imagens de prosperidade foram usados para induzir os consumidores a comprar produtos de luxo.
E como os americanos ficaram saturados pela mídia de massa e cercados por mercadorias, as linhas tradicionais entre arte e design gráfico começaram a se confundir com a arte pop. Muitas das principais figuras do movimento Pop art começaram suas carreiras como designers gráficos, incluindo Ed Ruscha e Andy Warhol. Roy Lichtenstein se apropriava das imagens dos quadrinhos e as transformava em pinturas. Warhol exibiu impressões de celebridades e até latas de sopa em galerias.
A transformação funcionou de outra maneira também. Os designers gráficos estavam livres para experimentar fora das restrições tradicionalmente impostas ao design comercial e buscar inspiração em praticamente qualquer lugar, o que levou a uma era de rápida evolução que continuou desde então.
A era do computador
Os computadores não transformaram imediatamente os padrões de design gráfico . Nas primeiras décadas, não eram muito mais do que calculadoras grandes, mimadas e extremamente caras. Mesmo nos anos 70, quando surgiram os primeiros computadores gráficos como o Xerox Alto e o Apple Lisa, eles não tinham muitas possibilidades para os designers. O poder de computação e a resolução de tela eram tão limitados que não havia muito espaço para criatividade. O design mais simples não era apenas a melhor opção – era a única opção.
Mas como os computadores ficaram mais poderosos, os designers de UX tiveram liberdade para experimentar. Metáforas visuais, como pastas de arquivos e desktops, começaram a assumir um tipo de realismo, habilitado pelo sombreamento, melhor resolução e uma paleta de cores em expansão.
Tudo veio à tona com o lançamento do iPhone original em 2007. Com uma tela multitoque, um design sutilmente violáceo e um controle gestual cinestesicamente intuitivo, o computador tornou-se algo mais: um mundo simulado na ponta dos dedos, capaz de comportar praticamente qualquer objeto. , texturas e interações que o designer queria.
Isso levou ao primeiro grande debate sobre design digital: skeuomorphism versus flat design . A Apple inicialmente impressionou as pessoas com objetos tridimensionais brilhantes e detalhados, mas levou um pouco mais longe para alguns gostos. Parecia enigmático e confuso. O Windows Phone respondeu com design plano, usando ladrilhos facilmente legíveis no lugar de texturas naturalistas. Embora o Windows Phone não fosse um sucesso comercial, ele era, à sua maneira, tão importante para os designers gráficos. Você poderia exercitar a contenção e enfatizar um layout limpo e fácil de usar em vez de flash e flair.
Nenhum deles teve a resposta certa, mas em algum lugar no meio gráfico e os designers de UX encontraram um equilíbrio: o design do material .
Design de materiais e a interface moderna
O design de materiais levou os melhores elementos de ambas as abordagens. De design skeuomorphic, tomou metáforas visuais – como sombras e recipientes que ajudam os usuários a entender a interface. Do design plano, foi preciso a sabedoria de que você não precisa simular objetos reais – você pode criar uma interface e uma linguagem visual mais adequadas ao seu caso de uso. Os designers começaram a desenvolver convenções mais consistentes, para que os usuários pudessem abrir um novo aplicativo pela primeira vez e entender como usá-lo.
As ferramentas melhoraram junto com as interfaces, dando aos designers gráficos uma liberdade que nunca tiveram antes. É mais fácil criar esboços, experimentar sombras, linhas e texturas e criar layouts elaborados com simples gestos. A prototipagem moderna de aplicativos para dispositivos móveis chegou a confundir a linha entre desenvolvedores e usuários. Os designers gráficos podem importar esboços, criar interações, criar e testar um aplicativo inteiro – tudo sem aprender uma linha de código.
O futuro do design gráfico
A tecnologia se desenvolve rapidamente. A sabedoria leva tempo. Tecnologia de ponta, como realidade virtual e aumentada, dá aos projetistas um novo grau de liberdade que estão apenas começando a explorar. Você pode transformar a sala à sua volta em uma interface ou exibir ícones no ar. Você pode usar seu talento artístico e seu “senso de cavalo” para construir um mundo de elementos de design que viaje com o usuário e interaja com o ambiente – e essas ferramentas vão mudar nosso mundo visual de maneiras profundas. Onde tudo isso está levando? Não podemos dizer com certeza, mas vai ser muito divertido descobrir.
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